Crónica 2: Trimarchi edición 2008

Trimarchi 2008
Por Florencia Kohan

Hola, soy docente de la catedra de medios expresivos I, estudié diseño gráfico y voy a contarles mi mirada "otra" sobre este festival Marplatense.
Empiezo por decirles que apoyo ampliamente este tipo de eventos ya que he tenido buenas experiencias a partir de ellos, razones que describiré a continuación.

(Comentario personal) Sin preguntarmelo mucho metí en mi maleta floreada unas remeras y faldas no advirtiendo que partía a Mar del Plata… mas el buzo finito y moderno no podría contra la gripe que traje de vuelta. Acaso la primavera nos hace ver el verano con mas ansiedad… quién sabe?
Una vez allí descubri que no usar pantalones es una marca personal poco inteligente para la primavera en la costa, por lo que ridiculamente encimé todo lo que tenía y claro q no fue suficiente.

Porqué estuve ahí?
En primer lugar me parece interesante escuchar proyectos relacionados con lo que hago, siempre con la expectativa de la sorpresa y la suerte de la inspiración =). Cuanta mas información uno tiene otra es la mirada, no podia ser negativo estar ahí otra vez.
En segundo lugar me atrae la idea de que suceda en la ciudad donde nací y viví la infancia que inspira el trabajo que desarrollo hoy y por último, descartando la posibilidad de un tsunami... estar cerca del mar siempre es un buen plan.

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Crónica: Trimarchi edición 2008

¿Qué es el Trimarchi? Parte 1
Por Erika Thomas

Me llamo Erika Thomas y soy amiga de la infancia de Florencia Kohan, docente de una de las cátedras de Medios de la FADU. Hacía mucho tiempo que no nos veíamos. Yo vivo en México desde hace quince años: trabajo para el diario La Reforma del DF y me invitaron de la organización de este festival por una nota que yo escribí en el suplemento de espectáculos que se tituló, “¿para qué sirven los festivales?”

¿Festival de diseño?, le pregunté a mi editor cuando me anunció el viaje. ¿Para qué sirve un festival de diseño?, pregunté con rabia. Tenés que ir, me respondió sin darme lugar a otra queja. Fue el viaje de regreso a la última adolescencia, a esa que se pega a la violencia de la adultez. Mi memoria registró a Flor, diseñadora y amiga de la infancia. Yo estudiaba la carrera de psicología cuando me fui a México a trabajar y a vivir. Después la cosa cambió, pero ese es otro tema. Me dijo que en el Trimarchi, así le dicen acá, iba a ver cuatro docentes de estas cátedras de la universidad que me iban a ayudar con esta reunión de diseñadores que emula a aquellos encuentros multitudinarios de poesías que en la década del 60 se hacían en el Royal Hall de Londres, y que tenía como invitados a Allen Ginsberg, Bella Ajmadulina, Hans Magnus Enzensberger, o, incluso, al mismo Pablo Neruda leyendo sus poemas. Quien vio imágenes de eso, en los filmes del británico Peter Whitehead -que hacía películas sobre famosos en el apogeo del swinging London-, no puede no resultarle conmovedor ver juntarse a miles de personas escuchar poesía, sentado o parados, pero con los comportamientos típicos de un espectador deportivo: gritos desaforados, aplausos, abucheos. En el Trimarchi pasa lo mismo, pero con otros exponentes, claro.

Para leer la crónica completa de nuestra invitada Erika Thomas, descargá el pdf eligiendo la opción "free user".

VIDEOARTE, Figura y Fondo: el desenfoque de la mirada

Quizás podría ser, que el desafío más grande al que se enfrenta un diseñador, es el de diseñar su propia mirada. Una tarea ardua que puede abarcar toda una vida, una sumatorias de experiencias, que exceden el ámbito académico - universitario e inclusive el ámbito profesional.
Diseñar una mirada es diseñar un lugar desde dónde ver, y es a la vez diseñar un sistema personal de enfoque / desenfoque. Diseñar una mirada es diseñar las posibilidades de desplazamientos, las rutas por dónde el ver puede moverse y deslizarse.
No existen en el acto de ver reducciones axiológicas. Nada puede darse por verdadero o por falso. La relatividad del punto de vista legitima todo posible acto de mirar y de ver. La individualidad se pone de manifiesto, la diversidad, la otredad.
En un mundo consensuado y globalizado la dictadura del mirar se impone en cada acto de recepción. Hijos de la TV, nuestra mirada ha sido prefabricada y acoplada a nuestra propia individualidad o circunstancia. El acto de ver se ha vuelto un acto público y hoy en día globalizado. El lugar del observador se ha estandarizado, en un claro sistema de figura y fondo.
Acceder a una propia mirada es, de alguna manera, disolver este modo de ver. Una tarea de deconstrucción, de distinción entre lo ajeno y lo propio, de observación de la observación.
Lamentablemente no existen trucos ni recetas para realizar este trabajo. Nadie empieza o termina por el mismo lugar, ningún maestro, gurú, ser superior, puede resolver el enigma y sacarnos del aprieto. Es una tarea donde uno está solo.
Deconstruirse se torna una tarea incómoda, uno debe esforzarse, debe superarse y redefinirse. Es una tarea laboriosa, que implica mucho trabajo, muchas horas de ejercicio y muchos errores.
A mi modo de entender, una de las funciones sociales actuales del arte, es extender este uso en desuso de la mirada. Sacudir al espectador/consumidor y proporcionarle una extraña incomodidad desde dónde mirar. Para algunos aterrador, para otros incomprensible (otro modo del miedo), para otros aburrido (sin espectáculo la vida no tiene razón de ser), para otros liberador.
Esta mirada no prefabrica una figura, sino que se zambulle en un fondo ilimitado, sugestivo, metafórico. La mirada se abre, se estira en sus límites, ejercita la elongación del músculo visual. En este espacio ilimitado, uno aprende a nadar (Nadie nada por ducharse todos los días en la misma bañera). Uno necesita espacio, necesita que se desarme la figura, necesita que todo sea fondo, para que desde ahí, la forma empiece a nacer y a sugerirse a los otros. Este tipo de figura, concerniente al arte, se manifiesta y se dice, como se dice lo sagrado: en voz baja y en modo indirecto. Si lo sagrado se pronunciase, extinguiría en el propio acto a quien lo dice.
La TV no dice lo sagrado (o al menos la mayoría de las veces). En la caja de las variedades todo se pronuncia. Allí la muerte es espectáculo, el tiempo pierde el misterio, y en nombre del amor se patina por un sueño.
Al otro lado, las prácticas individuales de los artistas, que redefinen el uso de los medios de comunicación, entendiendo que el problema no está en los medios, sino en quien los usa.

Lara Arellano

Algunas recomendaciones para ver:

1- Bill Viola, “The reflecting pool”

http://es.youtube.com/watch?v=GQJBHM1VsA4

Un video de 1979 donde Viola reflexiona sobre el tiempo, sobre la vida y la muerte. Con una puesta en escena sencilla, el tiempo se extiende y se dilata, para que sea el ojo del observador el que recorte, el que otorgue ritmo, el que imprima el tiempo con su propio tiempo. A la vez se vuelve una profunda reflexión sobre la representación, la idea de mímesis y de espejo.
Más información:
http://billviola.com/

2- Klaus vom Bruch, “Duracell”
http://es.youtube.com/watch?v=vtC37_AnIrw
Un video de 1980, donde el artista se apropia de materiales publicitarios y fílmicos, para resignificarlos con el uso del montaje. Un comercial de Duracell, imágenes de la bomba nuclear de Nagasaky, y algunas imágenes de pilotos americanos, conviven en un extremo collage visual. La idea de lo mecánico, del bombardeo simbólico (discurso publicitario) y el bombardeo real (catástrofes nucleares del siglo XX), parecen convivir y retroalimentar cada eje de significación.
Más información:
http://www.kvb.com/

3- Nam June Paik “Zen for film”
http://es.youtube.com/watch?v=1NEzTk6xY4o
Película de 1964, que se puede considerar el antifilm. Un rollo de 16 mm, que fue velado y que se proyectaba de manera completa en una sala. Esta película de Paik devolvía al medio, la reflexión sobre su materia prima de expresión: la luz. Una sala en que la pantalla se vacía, detiene el bombardeo de imágenes, y el espectador es iluminado desde la brillante escena. Una pantalla vacía, con sutiles registros del material (rayaduras e imperfecciones de la película) que devuelve a quien mira su lugar y su imaginario.
Más información:
http://www.paikstudios.com/

4- Granular Synthesis “Pol”
http://es.youtube.com/watch?v=Wpp7u-bGXw8
Performance realizada en 1998 en el ZKM Karlsruhe, Alemania, por el dúo de artistas alemán / australiano. Un trabajo que profundiza en la representación del rostro humano, y en las relaciones entre el hombre y la máquina. En el año 1991, el duo desarrolló sus propias herramientas de hardware y software para la creación y la manipulación de audio y video en su obra. Un trabajo intenso y extremo, dónde el rostro es trabajado digitalmente, manipulado en su gestualidad; y en donde la vocalización se sincroniza con la distorsión.
Para ver más fotos de la instalación
http://www.epidemic.net/photos/gs/pol.html

5- Dellbrügge & de Moll, “Theorie Remix”
http://es.youtube.com/watch?v=w55NeK2Cojg
Video realizado en 1994, que cierra el conjunto del trabajo “Video – Theorie”. Una reflexión analítica acerca de los medios y su relación con el arte y de los circuitos de creación de discursos.
Más información:
http://www.workworkwork.de/english/vt/videorem.htm

6- Dieter Kiessling “Two Cameras”
http://es.youtube.com/watch?v=O-Ncg_URjwg&feature=user
Instalación realizada por el artista en el año 1998. Presenta un circuito cerrado entre dos cámaras que se registran mutuamente, creando un loop de movimientos focales alternados en sus respectivos monitores. Una obra conceptual en la que se expone los códigos y los errores de los media al intentar representarse a sí mismos.
Más información:
http://www.dieter-kiessling.de/

Medios recomienda: Helvética

Hace un par de semanas un amigo diseñador me prestó Helvética, el documental de Gary Hustwit lanzado el año pasado. Luego de posponer varias veces el encuentro con el dvd, el sábado por la tarde (mates de por medio) me dispuse a ver la película.
Sin darse cuenta mi amigo me había hecho un gran favor.

La secuencia con la que se inicia Helvetica resulta inspiradora por su simpleza: Una imprenta, un maquinista encargado de formar el título de la película con ‘tipos’ móviles, rodillos con tinta y una impresión sobre papel. Nada más, nada menos. La dedicación con la que el imprentero realiza su trabajo –en especial el cuidado del detalle-, da la sensación., para el que se mueve dentro de la industria, de realizar una tarea sublime.

A lo largo sus 80 minutos la película nos lleva por un recorrido a través de la historia de la tipografía creada por Max Miedinger, y de la polémica que ella dispara: ¿es la mejor fuente diseñada hasta hoy? Fanáticos y detractores, grandes diseñadores felizmente casados con ella o enemistados hasta las visceras, opinan sobre el poder de esta fuente, su significado y las implicancias de su uso.

Resulta poderosamente llamativo para alguien ajeno a este mundillo cuantos sentimientos puede despertar un elemento de aparente simplicidad como una tipografía.

Circulan en este documental importantes personalidades del diseño: desde el “noventosamente” celebre David Carson, hasta Neville Brody, pasando por Erik Spiekermann y Massimo Vignelli. Cada uno comparte su producción, su visión del diseño y el fanatismo por su profesión, destilando experiencia y conocimiento en cada intervención. Cada anécdota resulta de un enorme valor, tanto académico como profesional. No existe el desperdicio en este relato.

Esta película seguramente no legitima nuestra profesión, pero sí la gratifica. Ver a diseñadores de todo el mundo opinar tan enérgicamente, exponer sus convicciones y hacerse cargo de cada trabajo – y de cada comentario que provoca un sentimiento de renovación dentro del diseñador-espectador, produce placer. Por eso es que mi amigo me hizo un favor sin darse cuenta, y esta es el verdadera razón de este articulo: En este momento tan particular que atraviesa la FADU sentirse bien y cómodo en la propia postura como profesional resulta vital. Ver en pantalla el amor por este trabajo resulta verdaderamente alentador: es como sentir que el film se hizo para cada uno de nosotros. Quizá es un acto de vanidad y/o de egoísmo, es cierto, (se me ocurrió la idea de que era sentarse durante 1 hora y 20 a recibir palmadas en la espalda), pero en este momento con tanto conflicto a cuestas, con tanto desgaste y con tanto camino por recorrer, ver Helvética resulta un oasis en donde recargar las pilas para seguir adelante.


Leandro Cerliani